Музей Пикассо в Париже

«Есть художники, которые превращают солнце в желтое пятно,
но есть и другие - те, что своим искусством и своим разумом
превращают желтое пятно в солнце».

(Пабло Пикассо)

Творчество испанского художника-кубиста Пабло Пикассо наложило огромный отпечаток на развитие мирового изобразительного искусства XX века. Его копировали, ему подражали, его ненавидели и не понимали. Тем не менее – это самый дорогой художник всех времен и народов, а его полотна стоят на первом месте у похитителей. Познакомиться с творчеством гения можно, посетив Музей Пикассо в Париже, расположенном в старинном квартале Маре французской столицы. Заведение открылось в 1985 году и представляет вниманию публики более 2-х тысяч работ великого испанца: гравюры, рисунки, скульптуры, картины.

Работы Пикассо по оценке уважаемой газеты «Times», которая провела опрос среди миллионов читателей в 2009 году, являются лучшими за последние 100 лет. А Долорес Ибаррури – генеральный секретарь коммунистической партии Испании – считала «Гернику» Пикассо той уникальной картиной, которая в творчестве настоящего художника может быть одной-единственной работой. И этого будет вполне достаточно, чтобы сделать огромный вклад в историю и культуру целой эпохи.

Художник с малых лет

Судьба с самого рождения готовила для Пикассо особенную жизнь. Он родился в Малаге (Испания) 25 октября (Скорпион) 1881 года (Змея). Сложный, вдумчивый, мудрый, преданный, лидер по натуре, одаренный, с высоким интеллектом, он просто обязан был стать неординарной личностью, а творческое направление предопределили гены. Ведь у Пикассо отец был учителем рисования, а мать добавила тягу к фантазиям, читая ему на ночь сказки собственного сочинения.

Взяв однажды карандаш в руки, маленькому Пабло так понравилось рисовать, что он уже в 3 года делал успехи, неожиданные для такого возраста. Акварель, затем масло, и вот уже юный Пикассо написал «Желтый пикадор», который специалисты считали первой полноценной работой художника. А ведь ему в ту пору было всего 8 лет.

На любознательного мальчишку огромное впечатление произвела коррида, которую он увидел благодаря отцу. Кстати, будучи уже взрослым, Пикассо не раз обращался к теме шоу с быками – традиционного зрелища в Испании. Он обожал представлять себя знаменитым пикадором и тореадором, переодеваясь в яркую одежду тореро и фотографируясь.

Получив уроки мастерства, и уже маленьким виртуозно рисуя, Пикассо поступил в школу искусств в Ла-Корунье, куда переехала семья Пабло в 1891 году. Далее их судьба забросила в Барселону, где подросток учился в местной школе искусств Ла-Лонхи. Поступил он туда по настоянию отца, так как возраст будущего великого художника был еще слишком юным для этой школы. И все-таки он блестяще сдал все экзамены и был зачислен студентом.

Барселона, Париж, «голубой» и «розовый» периоды

В 16 лет Пикассо уехал в Мадрид, поступил в Королевскую академию искусств, но учился там с неохотой. Его неуемная натура требовала выражать свою индивидуальность как-то иначе, чем того предписывали традиции классической школы. Через пару лет молодой испанец опять переехал в Барселону, где произошла его встреча с Карлосом Касагемасом, а в 1900-ом они вместе уехали покорять Париж, а заодно и посетили там Всемирную Парижскую выставку.

В 1901 году Пикассо узнал о неожиданном самоубийстве Касагемаса. Это был шок! Пабло снова ринулся в Париж и поселился в том номере, где жил его друг, безвременно ушедший из жизни из-за несчастной любви. Болезненная рана на сердце, неверие в происходящее и чувство вины переросли в тяжелую депрессию, в которой художник пребывал почти три года. Но именно в этот момент он стал писать невероятно глубокие картины, в которых звучала его философия, его внутренние переживания о безысходности, грубости, никчемности жизни.

Специалисты охарактеризовали этот период в творчестве Пикассо, как «голубой», когда все полотна художника были выполнены в синих, голубых, мрачных красках. Самая известная картина, представляющая голубой период – «Старый еврей с мальчиком» 1903 года. На ней изображены двое – полуслепой старец и мальчик, сидящие на полу темного помещения. Юноша уставился остекленевшим взглядом куда-то в точку и без удовольствия грызет яблоко. Старик сидит рядом и по-отечески его обнимает. Несмотря на скудные и невеселые краски, картина внушает долю оптимизма, и пусть жестокий и враждебный мир останется за пределами этой темной комнаты. Сила двух изгоев общества в их единении и поддержке.

«Голубой» период сменился «розовым», когда художник стал рисовать в нежных, розовато-серых и золотистых тонах. Теперь на его картинах заиграли хоть какие-то краски жизни, но отнюдь не веселой и беспечной. Клоуны, бродячие артисты, циркачи, калеки, нищие – все эти люди вынуждены влачить жалкое существование странников, пилигримов, скитальцев, попрошаек.

От кубизма к сюрреализму

В 1908 году Пикассо работал в творческом тандеме с Браком, с которым вместе они создали новый стиль художественного искусства – кубизм. Правда, Пабло еще раньше написал панно «Авиньонские девицы» (1907 г.), где изобразил девиц публичного дома с треугольными формами и устрашающими лицами. В картине просквозила некая геометрия мазков и линий. Его «Три женщины» - это еще только связь между прошлым и настоящим, когда Пикассо не отказывался полностью от своей привычной манеры написания, но уже видны задатки нового стиля, выраженного геометрическими формами и игрой с плоскостями. Кстати, «Три женщины» стали для художника поворотным пунктом: полотно купили богатые коллекционеры Стайн, и Пикассо забыл, наконец, про материальные трудности.

В дальнейшем, чтобы размыть кубические формы, художник стал прибегать к использованию в картинах знакомых предметов, как музыкальные инструменты, початые бутылки вина, табачные коробки, но в плоскостной трактовке. Эту стадию кубизма Пикассо специалисты назвали «синтетической». Художник стал также использовать технику коллажа, вклеивая в холсты отрезки газетных вырезок, этикеток. Потом в ход пошли еще и такие материалы, как стекло, песок, куски дерева, гипс.

Об этом направлении в изобразительном искусстве Пикассо говорил так: «Кубизм не "зерно" и не "зародыш", а искусство, для которого, прежде всего, важна форма, а форма, будучи однажды создана, не может исчезнуть и живет самостоятельной жизнью». Черты кубизма присутствовали в картинах художника до конца его жизни. Однако его натура не могла долго находиться в рамках или каких-то пределах. Кубизм перерос в неоклассицизм, когда линии стали плавными, изящными и понятными. В 1917 году по наущению Жана Кокто Пикассо попробовал себя в роли декоратора театральных постановок. В Риме в это время шла репетиция русского балета Дягилева. Пикассо поехал в Италию и стал работать над декорациями и костюмами нового балета «Парад» на музыку Эрика Сати.

В балетной труппе работала очаровательная и хрупкая Ольга Хохлова. Пикассо влюбился в эту утонченную девушку и женился на ней. А в 40 лет он впервые стал отцом: Хохлова родила ему сына Пауло. Этот радостный период привнес в творчество художника оптимизм и приятные формы, уходят «в прошлое» его гротескные манеры написания. Он снова обращается к теме «Мать и дитя», которую затронул еще двадцать лет назад. Какой печальной и драматичной кажется его картина 1902 года, и какой жизнерадостностью полна серия «Мать и дитя» 1922!

Пикассо никогда не переставал искать себя в новом. Так в середине 20-х XX столетия он обнаруживает для себя сюрреализм, и соединяет его с геометрическими формами кубизма. В 1926 году в Париж приехал молодой Сальвадор Дали, который познакомился с Пикассо и остался под впечатлением от маэстро и его работ. 30-е годы ознаменовались для художника серией офортов, когда Пикассо пишет на тему античных сюжетов в произвольной трактовке.

Герника

В 1936 году в Испанском королевстве начался конфликт между республиканцами и оппозиционными силами во главе с генералом Франко, переросший в гражданскую войну. Надо сказать, что Пикассо был на стороне республиканцев, и хотя его нахождение во Франции было небезопасно, он никуда не уехал.

А в апреле 1937 года поддерживающие Франко нацистские силы Германии и Италии разбомбили город на севере Испании – Гернику. Культурный центр басков с шеститысячным населением оказался под завалами от бомбежек. После налета город горел еще трое суток. В шоке от происходящего, художник в мае 1937 года написал огромное полотно «Герника» в кубистическо-сюрреалистическом стиле. Картину отличают темные и светлые монохромные краски, передающие бесцветность, серость, трагедию войны и ее последствий. На холсте размерами 3,49 х 7,76 метров изображены беспомощность, ужас, смерть людей, животных, птиц, попавших в жестокую реалию. И только зажженная свеча оставляет надежду на светлое будущее.

Известно, что в 1940 году к Пикассо в Париже пришли гестаповцы. «Это вы сделали?» - спросили они у художника, указывая на репродукцию «Герники». «Нет. Это сделали вы!» - ответил испанец. Удивительно, но его смелый ответ оставили без последствий.

Картину много раз выставляли в разных странах. Однако сам художник просил, чтобы она хранилась в испанском музее Прадо. Воля Пикассо была исполнена, и по 1992 год она действительно висела в Прадо, но затем ее перевезли в музей Королевы Софии в Мадриде, где она находится и сейчас.

Достойные хранилища

Пикассо рисовал, как дышал, и вызвал к жизни массу подражателей. Его девизом было изречение: «Не оставляй на завтра только то, что не жалко оставить недоделанным после своей смерти». Неординарный испанец был плодотворным художником и скульптором, общее количество работ которого перевешивало планку в 20 000.

Художник умер в апреле 1973 года на 91-ом году жизни на своей французской вилле Нотр-Дам-де-Ви. Примечательно, что он стал при жизни богатым человеком, а после смерти некоторые его работы были проданы за баснословные деньги. В этом плане очень интересна судьба его картины «В кабаре Лапин Агиль, или арлекин с бокалом», которую он писал в 1904 году. Тогда он был еще никому не известным художником, и работал буквально за харчи. Картину заказал владелец того самого кабаре на Монмартре, а потом она долго висела в указанном заведении, пока хозяин не решил ее продать. Холст купили за 20 000 долларов, а через 40 лет его стоимость увеличилась до 60 тысяч. В 1989 году эта картина ушла с молотка за…40 000 000 американских долларов.

Работы Пикассо нашли достойные хранилища:

• Музей искусств Метрополитен в Нью-Йорке;
• Музей Пикассо в Барселоне;
• Музей Пикассо в Париже;
• Частные коллекции.

В Париже для них определили шикарное здание старинного особняка середины XVII столетия, которое носит название Hôtel Salé (Отель Сале). Когда-то его построил для себя Пьер Обер де Фонтеней, ставший богатым за счет налогов на соль («сале» по-французски «соль», «соленый»). Особняк пережил период многократной смены владельцев, пока в 1962 году не перешел в ведомство городского муниципалитета. Только в 1985 году в здании решили открыть Музей творчества гениального художника Пикассо – испанца по рождению, француза – по месту жительства, космополита – по идеологии.

Специально для Лилия-Тревел.РУ - Анна Лазарева